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Enquesta

"La Cleopatra de Händel pasa de ser fuerte a estar frágilmente enamorada de Julio César"

10/3/2022 |

 

https://www.lavanguardia.com/cultura/20220310/8112597/carolyn-sampson-soprano-opera-barroca-cleopatra-palau-musica.html

La soprano Carolyn Sampson protagoniza 'Giuliu Cesare in Egitto' en el Palau de la Música con Forma Antiqva.

El conjunto instrumental y vocal Forma Antiqva que Aaron Zapico fundó en Asturias con sus hermanos Daniel y Pablo, regresa hoy al Palau de la Música Catalana (19 h) con Giulio Cesare in Egitto, una de las óperas que Händel compuso en sus dorados años veinte del s. XVIII, en que también alumbró Tamerlano y Rodelinda revolucionando las temporadas de ópera italiana en Londres.

Para este marzo en que las instituciones musicales barcelonesas se unen bajo el paraguas del Barcelona Obertura Spring Festival, el Palau ha querido lucir no una sino tres óperas del periodo barroco. Esta primera que llega hoy en versión concierto cuenta con un reparto lujoso que lidera la soprano británica Carolyn Sampson (Bedford, 1974) en el papel de Cleopatra, con arias memorables... “Piangerò la sorte mia” o “Da tempeste il legno infranto”.

Junto a Sampson lucirán la contralto Hilary Summers, la mezzo Maite Beaumont, los contratenores Christopher Lowrey y Konstantin Derri y el bajo José Antonio López.

¿Cómo es su mirada sobre ese mito de Cleopatra que aborda la ópera de Händel?

Es la primera vez que canto entero el papel de Cleopatra en esta ópera, y la verdad es que está siendo muy interesante poner en su contexto las arias que normalmente se interpretan sueltas. Lo que más disfruto es ese viaje con Cleopatra en el desarrollo de su personaje, esa evolución a lo largo de la ópera, porque lo que vemos de ella al principio es que quiere ser reina: se prepara para ello, es un personaje muy fuerte que quiere conseguirlo. De hecho lo que más desea es ser su hermano. Pero luego muestra su vulnerabilidad, hay un momento en el que empezamos a ver el otro lado de Cleopatra, cuando se enamora de Cesare. Y cuando está en la cárcel sola intenta encontrar su fuerza interior.

Ahora que ha pasado el 8M, ¿diría que hemos entendido este personaje a través mayoritariamente de los ojos de los hombres?

Siempre es interesante ver como las mujeres nos enfrentamos al punto de vista masculino en nuestros personajes. Lo más valiente que hacemos las mujeres es apoyarnos unas a las otras, especialmente ahora que respaldamos a las mujeres compositoras, Y hay una gran discusión ahora mismo sobre la igualdad en todos sus aspectos. De manera que cuando veo la música no siento que tenga que pensar diferente. Porque creo que Cleopatra es una mujer muy fuerte y me encanta exagerar esa fortaleza, pero también es importante mostrar su lado humano.

Usted es el vivo ejemplo de lo que es la escuela inglesa de canto del barroco, especialmente desde el punto de vista del sonido original. ¿En qué diría que se diferencia de la escuela francesa o de la alemana?

Justamente ayer hablaba con Hilary y Maite sobre este tema. Sobre cómo las diferentes nacionalidades interpretan el barroco, pero yo la verdad es que veo más diferencias entre grupos que entre países. Y mucho de eso tiene que ver con el director musical. Las producciones en las que me he visto involucrada han estado básicamente dirigidas por ingleses y la mayoría han sido sobre Händel, y tengo que decir que son aproximaciones desde la palabra, el texto cantado. Esa sería la clave para mí, comenzar por la palabra. Eso viene antes que la belleza del sonido.

¿Quiere decir que primero hay que comprender el texto para que la belleza aparezca?

Sí, y a veces ni tan siquiera tiene que ser bonito, depende. Pero para mí tiene que ver mucho más con el texto que con el sonido. Y lo que es muy interesante en las arias de Händel es que tenemos estos Da capo, repetimos la primera sección. Y sobre todo en una versión concierto, los cantantes todavía tenemos que recordar que hemos cantado las distintas secciones y regresar al inicio con una mirada fresca, porque sigue siendo un texto de la segunda parte. Es una evolución no una repetición. Y eso lo hacemos con ornamentación, con diferentes dinámicas, o con distintos colores en la voz y también en la orquesta. Utilizas el máximo de herramientas posibles.

Llevamos más de medio siglo de movimiento historicista en la música antigua, pero parece que nos centramos mucho en los instrumentos originales y en cambio la voz la hemos explorado un poco más tarde. ¿Cómo se siente una soprano del siglo XXI tratando de ser fiel a la manera de cantar del siglo XVIII?

La verdad es que directores como Gustav Leonhardt o Christopher Hogwood o sopranos como Emma Kirkby hicieron un trabajo maravilloso cuando comenzó el movimiento de la música antigua. Transformaron la idea que tenía la gente sobre cómo tenía que sonar esa música. Volvieron a una manera muy pura de cantar, con menos vibrato y cosas así, y haciendo uso pionero de instrumentos de época. Y creo que desde entonces los músicos hemos podido construir a partir de eso. Yo por ejemplo utilizo vibrato, pero puedo quitarlo o añadirlo cuando quiera, y esas son las herramientas que ahora somos mucho más libres utilizando que hace 50 años. Porque entonces eran pioneros; ahora nos beneficiamos de eso y de toda la evolución del movimiento. Y en una ópera de Händel, por ejemplo, tanto en un teatro de ópera como en un auditorio, utilizaremos más o menos vibrato, o si estoy cantando una pieza de Purcell con solo dos o tres instrumentos lo haré completamente distinto. De hecho la música antigua es un gran paraguas bajo y que hay muchas maneras de expresarse, tenemos Bach, tenemos Händel, Vivaldi, Monteverdi, todos ellos muy distintos. Es excitante ver la variedad de estilos que constituyen la música antigua.

¿Y con este background hemos desarrollado una manera más interesante de aprender a cantar o de trabajar la voz?

Lo más importante al final es la salud vocal y cantar de una manera saludable. Porque lo más peligroso especialmente en las voces jóvenes muy bien dotadas, es querer hacerlo todo demasiado pronto, y es importante que los maestros les animen a no precipitarse, a trabajar de manera gradual y amable. Nada de meterse a hacer papeles demasiados grandes o demasiado pesados en casas de ópera demasiado grandes también. Por qué desde el momento en que empiezas a forzar la voz estás labrándote el camino para entrar en problemas. Y justamente la música antigua, por el hecho de que el canto es tan natural, un poco más suave, dulce y con menos instrumentos en la orquesta, funciona muy bien para las voces jóvenes. Es una buena manera de empezar, y de descubrir su vibrato natural. Es una técnica muy útil. Es una manera de descubrir la belleza de la propia voz en lugar de obligarles desde las clases a ser otro tipo de voz.

Usté empezó cantando en un coro...

Sí, siempre he cantado. Toqué el piano, la música era lo que mejor se me daba. Después de la escuela estudié en la Universidad de Birmingham y pronto me di cuenta de que no era una pianista especial. Era buena pero no lo suficiente, así que me uní al coro y el director me dió muchísimas oportunidades de cantar solos. Aprendí mucho del barroco francés sobre todo. Fue él quien al final de los estudios me animó a ir a audicionar en Londres. Y empecé a trabajar con los Sixteen, con los Tallis… O sea que sí, mis inicios fueron con coros de música antigua en Londres. Y recuerdo con mucho cariño alguna gira en España.

¿Conocía a Aarón Zapico, el director de Forma Antiqva?

Lo estoy conociendo ahora y tengo la sensación de que tiene muchas ganas de presentar el drama como una pieza, lo cual está muy bien. El reparto es muy interesante, algunos ya han cantado la ópera entera. Y Aarón trata de presentar esta obra de la de la manera más genuina posible en versión concierto.

Él está especializado en barroco español. ¿Conoce usted este repertorio?

La verdad es que no, no creo haber cantado nunca barroco español.

¿Le parece que estamos viviendo el mejor momento de las interpretaciones de Händel?

Espero que no, siempre tenemos que querer ir un poco más allá. Pero sí que es la edad de oro de la interpretación de Händel porque por fin hemos introducido su repertorio en los teatros de ópera, incluso en los grandes. Y la gente viene a verlo… yo creo que ni siquiera son conscientes de que es música antigua.

¿No?

Hemos ido tan lejos con las producciones y las puestas en escena, lo hemos hecho tan interesante… Aunque le diré que las producciones que más me gustan son las que de verdad celebran la música de Händel y no se intentan disculpar por ella. A veces se intenta hacer algo “interesante” porque porque dura mucho y creo que esto es errar el tiro.

¿Como cuando Cecilia Bartoli hizo una producción loca de justamente en ‘Giulio Cesare in Egitto’ en el festival de Salzburgo?

Exacto. No sé. Todo el mundo sabemos que Wagner dura muchas horas y eso no significa que tengamos que estar todo el rato bailando y cantando. Aceptas que es un viaje largo y te preparas para él, tanto como artista como como público.

Hace un par de años el tema era el Brexit y si ustedes los británicos podrían venir a actuar en el resto de Europa. Y ahora estamos hablando de censurar a los artistas rusos. ¿Qué opina de este tema?

Vivimos un momento muy oscuro en muchos aspectos en todo el mundo, y la cuestión de los artistas rusos creo que se trataría de que tuvieran nuestro máximo apoyo, excepto si han sido claramente proclives a Putin, como Gergiev o Netrebko. Pero no creo que tengamos que dejar de tocar música rusa ni dejar de invitar a los artistas rusos, porque no es su guerra, es la guerra de Putin, no de toda Rusia. Los artistas ahora mismo tenemos que ser la luz en la oscuridad, y los artistas rusos merecen serlo también

El 14 y 16 de marzo
Vox Luminis debuta en el Palau con dos óperas de Purcell

Otro momento glorioso del nuevo ciclo Palau Òpera será el debut en la sala modernista del conjunto Vox Luminis que lidera Lionel Meunier. Los belgas llegarán pertrechados con sendas versionessemiescenificadas de King Arthur (día 14) y The Fairy Queen (16), dos títulos en los que, ya tres décadas antes de que Händel sedujera al público londinense, Henry Purcell se coronaba como el padre de la ópera inglesa haciendo gala de su sonoridad única, traslúcida.

​Para King Arthur, la producción con dramaturgia de Isaline Claeys contará con el actor Pere Arquillué como narrador, más una escenografía especial con proyecciones. En el caso de The Fairy Queen, semiópera en cinco actos escrita en 1692 y basada en El sueño de una noche de verano de Shakespeare, es una nueva producción de Vox Luminis, estreno en España. Las voces resonarán en un juego de sombras, con las imágenes de la escenógrafa belga Emilie Lauwers y el cineasta portugués Mário Costa. La narradora será aquí Sílvia Bel 

Maricel Chavarría
La Vanguardia